ANÁLISIS DE "LAS MENINAS" DE DIEGO DE VELAZQUEZ

DIEGO de VELAZQUEZ autor de "LAS MENINAS" (1656), pintor Español del SIGLO DE ORO, se formó en un ambiente contrareformista, este Sevillano contreibuyó a ennoblecer el Arte Barroco Español en un momento en que las artes estaban controladas por la Iglesia y por la Corte

No obstante su aprendisaje no se limitó a la estética Española, sus viajes a Italia supusieron para el un afán de superación y riqueza estética. Así sus cusdros reflejan la influencia de CARAVAGGIO, TINTORETTO o TIZIANO, evolucionando su pintura a partir de los conocimientos y la práctica adquirida durante 3 años en Italia.
En 1623 Velazquez fue nombrado pintor del Rey Felipe IV. En los últimos años de su vida, creó la obra "LAS MENINAS" una de las obras mas famosas del arte universal

   ANÁLISIS:
                       Para leer esta obra tenemos que centrar nuestra mirada en tres aspectos fundamentales:1-LOS PERSONAJES RETRATADOS  -2 EL ESPACIO y la MIRADA DEL PINTOR.


  -1 LOS PERSONAJES RETRATADOS:

                                 La Infanta Margarita y las MENINAS (Isabel y Agustina=
a
La escena transcurre en una de las estancias del Alcazar de Madrid. La INFANTA MARGARITA se encuentra en el centro de la composición, un factor que, que junto a la luminosidad que le ha dado el pintor, la convierte en el personaje mas relevante del cuadro. A sus lados, ISABEL VELAZCO y AGUSTINA SARMIENTO "estas son las MENINAS". junto a las que se encuentran los enanos de la corte,  en actitud lúdica con el perro que hay a sus pies. En un segundo plano en la penumbra vemos a Marcela de Ulloa y a un hombre anónimo.  A la izquierda aparece el autorretrato de VELAZQUEZ realizando su labor como pintor de la corte y, al fondo de la estancia se encuentra Jose Nieto, aposentador de la reina, en una posicion que destaca por ser el centro de lka perspectiva del cuadro.


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Finalmente podemos dos personajes mas de máxima importancia, en la pared del fondo, junto a la puerta, se reflejan en el espejo las figuras de FELIPE IV y MARIANA de AUSTRIA. Si no fuera por el toque de luz que el pintor da al espejo no reparariamos en ellos, e incluso parece que fuera un cuadro mas dentro de la estancia. Este juego visualo, es tan enigmático, nos permite obtener mas información de las personas que hay en el espacio representado.
La instantaneidad del momento se pude ver en los gestos de los personajes, que parecen haber sido alertados por la llamada de alguien del exterior a la  escena.


   -2 EL ESPACIO:
                                 Esquema de la composición espacial de "LAS MENINAS"  VELAZQUEZ nos presenta en esta obra la intimidad del Alcazar y con su maestría nos hace penetrar en una tercera dimensión. Con la escena que muestra inmortaliza un instantew de la vida cotidiana de sus personajes. La luz y la atmófera del cuadro son la consecuencia del dominio artístico del pintor Sevillano.
Lo mas original de "LAS MENINAS" es el juego de miradas y espejos que contiene. un efecto habitual en el arte barroco.


   -3 LA MIRADA:
                                
                                  VELAZQUEZ nos mira fijamente-
VELAZQUEZ (la mirada del pintor) se retrata en el cuadro pintado a los reyes, cuya imagen vemos reflejada en un pequeño pero destacado espejo, al fondo de la escena.
Como espectadores, nos sentimos observados ante la mirada del pintor.
Nuestra visión de la escena es la misma que la de los reyes que estan siendo retratados por VELAZQUEZ.
Este gesto de VELAZQUEZ confirma la importancia que en aquel momento tenía la figura del pintor en la corte ( qque cobra protagonismo en un retrato real). Además da un paso importante en la representación del mundo real a través del arte, y que consigue integrar el espacio del espectador (nuestra mirada) con el espacio representado (la mirada de los reyes)


(*) Las Meninas era el nombre con el que se conocian a las acompañantes de niños reales en el siglo XVII.


(**) La Cruz de Santiago que hay en la vestimenta del pintor fue añadida postumamente por orden de Felipe IV, demostrando su gratitud por los servicios prestados durante tantos años en la corte.

ANÁLISIS Y COMENTARIO DEL DÍSCOBOLO DE MIRÓN

Mirón, fue el artista Griego creador del Discóbolo en el siglo V a.C, es una de las obras mas admiradas de la antiguedad, Un bronce hecho durante el periodo clásico alto del arte Griego de 1,60 metros de altura. El original ya no existe. se han concervado célebres reproducciones romanas en mármol.
 El término griego DISCÓBOLO significa lanzador de disco, uno de los deportes mas tradicionales de la antigua Grecia, siendo la obra la representación de un momento del movimiento de in atleta en esa disciplina. El lanzamiento de disco era el primer elemento del PENTATLÓN en el que un atleta lanzaba un pesado disco. llamado discusy. si bien los atletas de esta disciplina en cierto modo eran considerados inferiores a los atletas que se destacaban en un deporte específico, su apariencia física era objeto de suma admiración, esto se debía a que no tenían ningún grupo de músculos desarrollados en exceso,, lo que realzaba en la armonía de sus proporciones. Aquí Mirón captura el momento de inmovilidad momentánea del atleta. La palabra griega que descri9be este instante es "rhytmos". y hace referencia a una acción de gran armonía y equilibrio.
Los escultores optaron por rep'resentar al lanzador de disco con el cuerpo doblado porque así se satisfacía su deseo de representar una figura anatómicamente perfecta y trasmitir una sensación de movimiento. El autor logra en la obra un equilibrio corporal perfecto. creando un fragmento del movimiento de un lanzador técnicamente brillante como una demostración de grandeza de los deportistas de Grecia; el movimiento es una de las claves que se quieren representar, el movimiento del hombre como muestra de avanza en el pensamiento y en todas las áreas de la vida.
Los lanzadores de disco de la antiguedad iban desnudos, lo que permitía a los artístas retratar sus músculos. Mirón representa el momento del lanzamiento, con un realismo y un movimiento de lo más convincentes, dando una sensación de vigor y equilibrio.
El lanzador de disco muestra una expresión relajada. Para el observador moderno, la cara del atleta parece carente de emoción, y es que para los escultores antiguos era mucho mas importante representar el cuerpo como arquetipo del ideal atlético que centrarse en las expresiones faciales. Por otro lado la expresividad facial se puede interpretar que la mente es quien domina todos los movimientos de perfección, que mas allá del esfuerzo físico, el éxito y el dominio de las acciones, está en el correcto dominio de la mente.El deporte tenía en esta época una gran relevancia en la vida del hombre como símbolo de independencia, libertad y democracia, por lo que la obra tiene un alto contenido político y filosófico.

RELACIÓN DEL ARTE Y LA DIVERSIDAD CULTURAL

El mayor desafío actual que se tienen tanto los profesionales como la teóricos vinculados al arte, es poder contar con las herramientas y el método mas correcto para abordar la diversidad cultural e identidad, encontrándose con diferencias que no todo el mundo está dipuesto a aceptar. La globalizacion nos ha llevado a interactuar con la diversidad, pero no ha comprometernos con ella. La palabra interacción está muy lejos de ser aplicada por políticas de estado más conscientes de que un país es la suma de su diversidad.  Durante años la mayoría de la teoría elaborada en torno al arte, se elaboró bajo una concepción eurocentrista. La teoría occidental pocas veces fue confrontada con otros modelos. La "Teoría occidental sirvió así no para comprender y explicar la producción simbólica ajena, sino para relativisarla, oscurecerla y excluirla de los ámbitos en que se reparten los honores, espacios y recursos, para borrar o devaluar los sentidos que los otros habían construido a lo largo de la historia a menudo milenaria, a menos, claro, que por algún azar encajaran perfectamente en ella". El relativismo cultural ha tenido gran importancia en los últimos años, ocultando su verdadera posición. Esta corriente no supone comprender y explicar las deferentes teorías. ni sus diferencias y similitudes sino que crea un postulado falaz sobre todas las virtudes por el solo hecho de tolerar la diversidad.

 


Pero tolerar no significa relacionarse o interactuar con el otro. Es mas bien una impostura que manifiesta el poder para demostrar que la diversidad también tiene un espacio. con el cual no prefiere relacionarse. No se puede hablar de una CULTURA y pensar su identidad como algo imperdible. Los diversos grupos, interactúan permanentemente dentro de una sociedad, Recordemos el concepto de cultura mosaico esgrimido por Roger Bastide, es su famoso texto "Les Amériques noires". Bastide simplifica el proceso que contribuyó a la formación de culturas y sociedades. No se puede hablar en términos de cultura como compartimientos estancos, las culturas son intercambios permanentes entre los diversos grupos que integran una u otra sociedad.
En grandes regiones de Bolivia, Paraguay, Nicaragua, Guatemala y México no hablaban o hablaban poco español, conservan hábitos de producción y consumo, fiestas y rituales, ajenos a la modernidad occidental. En Brasil, gran parte del Caribe y otras zonas del continente las culturas AFRO prolongan también formas culturales propias.

La adopción de los productos de su trabajo por las culturas nacionales simula una integración que se desbarata ni bien miramos sus prácticas cotidianas y en algunos casos los movimientos políticos con que defienden su autonomía. Esto de ve claramente cuando tomamos el ejemplo de varios estudios e relación a la comunidad afro en plena época colonial. No se los ve como sujetos activos, que han mantenido. a pesar de todo. algunas prácticas religiosas o artísticas. Se los determina como sujetos pasivos, sin tener en cuenta, el aporte imvalorable que realizaron en música y otras manifestaciones artísticas. Varios profesionales niegan de manera  obstinada la contribución de los esclavos africanos al devenir histórico y social de la mayoría de los países latinoamericanos.
El desafío implica esbozar nuevas teorías, y nuevas herramientas para la puesta en valor de la diversidad.
Lograr contribuir al desarrollo, y la innovación de cada manifestación artística en particular.De allí surgiran nuevos instrumentos para aplicar a la curricula.Los profesores deben 3enseñar de manera integradora, todas las producciones simbólicas surgidas de las diferentes culturas. Es necesario reflexionar acerca de teorías renovadoras, para poder abordar la diversidad. "Desde esta región del planeta no invalidar la teoría occidental, sino tamizarla, aceptarla con el beneficio de inventario, para resignar ciertos aspectos
Rechazar otros que dejaban afuera, en la anodina esfera del no-arte, a la mayoría de nuestras prácticas simbólicas y en especial las de origen popular e indígena", la transculturalidad, es un argumento que nos permite establecer diálogos sinceros frente a la diversidad, y aporta herramientas para poder seguir elaborando un verdadero pensamiento latinoamericano. que eche luz sobre nuestras prácticas simbólicas y las ajenas. En la historia del arte encontramos sobrados ejemplos de aportes de una cultura a otra,  en Francia en la primera década del sigloXX, Braque y Picasso, se preocuparon de traducir las apariencias visuales de los objetos en estructuras hechas con cubos, conos y esferas. Estos cubistas se sorprendieron que algunos esfuerzos análogos habían sido completados con éxito por la estatuaria africana. Los pintores Alemanes y Franceses fueron los primeros en reconocer el valor estético de las imágenes talladas en las sociedades africanas. Los críticos de arte siguieron a los pintores, concluyéndose que la tradición africana era la única que en realidad había resuelto el problema de la represemtacion en tres dimensiones, quedando la escultura europea "pictoricamente a una gran distancia. Las estatuas ancestrales, las figurillas rituales y las máscaras ceremoniales, se metamorfosearon en objetos de artes occidentales. Analizar los diferentes aportes es iniciar el camino de revalorizar la diferencia.
"La diferencia debe ser asimismo agudizada y sintetizada en categorías de percepción y de entendimiento, como un sistema organizado que permita no solo a cada pueblo conocerse, a si mismo sino también enriquecer esa confrontación con el otro que va construyendo la identidad"

"SE dice que todo arte es expresión, y por lo tanto un modo de lenguaje, pero se debe destacar que se trata de un lenguaje diferente, conformado no por signos puros sino por formas visuales, cuya interpretación depende de la historia de cada cultura, la que al describir su evolución proporciona los códigos, las unidades semánticas de comprensión"

EL FRUTO DEL PROCESO CREATIVO

Si se busca una mayor perfección en la obra artística, esta no puede lograrse si no es a través del esfuerzo constante y la práctica ardua, para que el talento innato del artista se descubra, tiene que pasar una maduración que en algunos es mas lenta que en otros.
El esfuerzo y la voluntad en el artista, actúa muchas veces como un cernidor entre quienes tienen la verdadera vocación y quienes son artistas por afición.
Podemos definir entonces que existiría una conexión entre tres elementos que permiten la manifestación de la obra artística: LA VOLUNTAD, LA MENTE y el ESPÍRITU. En el estado creador interno ocurre lo siguiente; Cuando se han unido las lineas a lo largo de las cuales se mueven las fuerzas internas, ¿hacia donde se dirigen? ¿como expresa sus emociones un pianista?.Va hacia su piano ¿Y el pintor?, toma su tela, sus pinceles y sus colores. De la misma manera, el actor se vuelve hacia su instrumento creador espiritual y físico. La mente, la voluntad y los sentimientos, se conbinan para movilizar todos sus "elementos internos".

La MENTE en el trabajo artístico nos permite conservar la concentración, imaginar y crear, controlar los movimientos y los impulsos abruptos que que pueden surgir. La VOLUNTAD que podemos decir es el medio "físico", permite que nuestro esfuerzo se manifieste y es el constante impulsor de la obra en el mundo "real". Por último el ESPÍRITU es la fuente inagotable del artista, que provee todos los sentimientos y la belleza indispensables para la existencia del arte.

Obviamente para que exista un armoniosa entre los elementos, es necesario una relajación y una atmósfera de tranquilidad y seguridad que permitan facilitar enormemente el trabajo del artista.
Una atmósfera agradable permite al artista enfocarse en sus asp'ectos internos con mayor facilidad y olvidar lo superficial.

Muchos actores antes de cada presentación se colocan trajes y se maquillan de modo que su apariencia exterior se aproxime a la del personaje que van a representar.Pero olvidan la parte mas importante que es la preparación interna. ¿porque dedican tanta tan particular a la apariencia externa? ¿porque no visten y maquillan el alma también)

Profundizando un poco mas acerca de la producción artística como tal, el genio de Aristoteles nos ofrece una herramienta que pese al paso de los años, perdura como uno de los métodos mas interesantes para la elaboración del arte.

En "la poética" Aristoteles defiende a la tragedia como la mejor expresión artística concebida en ese tiempo. A la tragedia el Estagirita la defiende así "Es, pues, tragedia reproducción imitativa de acciones esforzadas, perfectas, grandiosas, en deleitoso lenguaje. cada peculiar deleite en su correspondiente parte; imitación de varones en acción, no simple recitado, e imitación que termine entre conmiseración y terror el término medio en que los afectos adquieren estado de pureza"

Pese a lo breve de esta descripción, encontramos elementos ligados al arte que son importantes. esfuerzo, grandiosidad y deleite; pero lo mas importante de esta definición se encuentra en "el termino medio en que los afectos adquieren estado de pureza". El estado de pureza o khatarsis consiste en una sublimación de sentimientos que permiten que el arte logre su fin, que es el de otorgar belleza y deleitar a las personas que aprecian la obra artística.

El llegar a la khatarsis significa dedicación y descubrimiento de la propia voz interior, o el propio estilo, que caracteriza la obra del artista y le permite descubrir una forma de expresión mas bella. Esta búsqueda de la khatarsis significa una introspección en el alma del artista lo que es un proceso de perfeccionamiento, que implica la purificación y sublimacion de los sentimientos.

En otro pasaje de "poética" Aristoteles nos dice "En efecto: por la naturaleza misma de las cosas persuaden mejor quienes están apasionados; y así, mas verdaderamente conmueve al conmovido y enfurece al airado.
Y por este motivo el arte de la poesía es propio de naturales bien nacidos o de locos; de aquellos por  su multiforme y bella plasticidad; de estos por su potencia de éxtasis"

La importancia de la inspiración basada en los sentimientos, es de radical importancia, sin embargo es necesaria una moderación basada no solamente en la forma de amoldar los sentimientos sino en el embellecimiento de los sentimientos y su elevación hacia niveles de nobleza elevados,

La regulación de los sentimientos es propia de las nociones espirituales y morales que norman la conducta, hay formas decadentes de expresión que por ser demasiado inmorales pueden considerarse atentados, sea el caso de la pornografía infantil o de otros tipos de degradación que rebajan la condición del se humano a un nivel inferior.

Por esto el ARTE puede ser un arma de doble filo, un medio placentero de regocijo para el alma humana, o un pretexto para la degeneración y la inmoralidad.

Las ARTES son uno de los mejores medios por los cuales el ser humano puede manifestar su realidad espiritual en este mundo. Posiblemente el principal desafío para los jóvenes artistas, apasionados y conmovidos buscadores de la verdad, sea el éxtasis de las vivencias espirituales expresadas en algunas maneras de arte. Los talentos del futuro, o quien sabe, del presente pueden emerger en base de ello.

FILOSOFÍA DEL ARTE

EL ARTE EXPRESA, EL PENSAMIENTO FILOSÓFICO IMPERANTE.  EL ARTE ES UNA FORMA DE CONOCIMIENTO INTUITIVO QUE EXPRESA : EMOCIONES, SENTIMIENTOS, ESTADOS DE ANIMO, IDEAS Y FORMAS DE PENSAR DEL VIRTUOSO EN EL MOMENTO HISTÓRICO QUE LE TOCA VIVIR.


Cada etapa histórica influye en la cosmovisión del hombre y cada forma de ver al mundo condiciona a la historia e influye en el arte.
El arte abarca distintos medios, como: la pintura, la escultura, el grabado, el dibujo, las artes decorativas, la arquitectura, la música, la literatura.
El arte puede tener un carácter utilitario, estético o bien puramente expresivo.

El análisis de símbolos, motivos y temas suele ser el aspecto abordado de mayor interés.
En el mundo antiguo, las Pirámides de Egipto representan las creencias de una cultura que parecía priorizar la vida mas allá de la muerte.

El arte Griego y Romano es una expresión del realismo filosófico y se destacó por su pintura y escultura relacionada con la mitología. los dioses y los gobernantes.
La arquitectura Greco-romana expresaba la opulencia de las clases privilegiadas que simbolizaban el poder, como por ejemplo la tumba de Artemisa II, hermana y esposa del rey Mausolo de Caria, sudoeste de Anatolia, gobernante después de la muerte del rey, constituye el MAUSOLEO consi9derado una de las 7 maravillas del mundo.

El arte para los Griegos significaba saber hacer. Aristoteles lo define como capacidad para producir cualquier objeto, orientada por la razón, que hoy en día se denomina técnica.

Kant distingue entre el arte mecánico y el estético; este último puede ser placentero, por puro placer y bello cuando procura placer intelectual.

Durante la filosofía escolástica, en la Edad Media, el arte se circunscribió a los temas religiosos ya que los sistemas filosóficos dominantes partían del dogma.

El Renacimiento, que es un momento cultural caracterizado por el antropomorfismo y por la vuelta al espíritu de la antiguedad clásica se caracteriza por su arte realista.

El Renacimiento es el que expresa en forma mas completa los los ideales de esa sociedad durante esa época, el IMPRESIONISMO que surge después del RENACIMIENTO, fue un movimiento artístico de rebelión contra las leyes tradicionales del academicismo con respeto a los rigores que existían sobre el contorno definido, el conocimiento de la anatomía, la perspectiva y la importancia del claroscuro.

Frente a este intelectualismo realista, el sensualismo impresionista se basaba en la intuición personal, en la expresión de las emociones con la exclusión de todo conocimiento teórico.

Esta pintura era afín a la nueva posición moral de sinceridad, de libertad individual e igualdad social, de reconocimiento de la dignidad de la vida cotidiana y de la poesía de los objetos cotidianos mas humildes; y reflejaba las mejores aspiraciones humanitarias y democráticas de su época.

Alrededor de 1900 casi toda la pintura occidental era impresionista. Ese cambio de estilo no se limitó a la pintura, sino que se extendió a la a la escultura, música y literatura.

La revolución plástica que presentó el impresionismo sentó las bases para el surgimiento de producciones artísticas posteriormente mas audaces,

El CUBISMO a principios del siglo XX, fue la revolución estética mas importante desde el RENACIMIENTO.

El Relativismo Cultural confluye en el arte y surge PABLO PICASSO como exponente máximo del cubismo, que desarrolla un sistema representativo basado en el hecho que la visión humana tiene distintos puntos de vista y se desarrolla en el tiempo.

El cubismo presenta los objetos tal como son concebidos por la mente y como existen en si, y no tal como son vistos.

SALVADOR DALÍ otro extraordinario artista plástico que expresa con gran brillo y originalidad la relatividad del tiempo y las diferencias en la forma humana de ver el mundo.

Se rompe el esquema imitativo y se instaura el empleo de símbolos, libremente inventados, comparados con las metáforas de los poetas.

En Egipto, las pirámides representaban para la cultura Egipcia sus creencias espirituales de la vida después de la muerte.