purpura: POSTIMPRESIONISMO (fines del siglo XIX y comienzos del siglo XX)

POSTIMPRESIONISMO es el término utilizado para referirse a los estilos pictóricos propios de finales del siglo XIX y principios del XX. Son una serie de manifestaciones culturales anteriores al impresionismo en rechazo a su exceso de objetividad al reflejar la realidad.

Los postimpresionistas imprimieron mayor subjetividad en su representación del mundo, aunque preservaron el uso de colores vivos, pinceladas distinguibles y temas de la vida real.

El término postimpresionismo nació en 1910, cuando el crítico de arte Roger Fry nombra así una exposición en Londres que exhibía cuadros de Van Gogh, Gauguin, Seurat y CezanContexto histórico

El tiempo en el que se ubican los artistas calificados como postimpresionistas se caracterizó por cambios radicales en muchos órdenes de la vida humana.

En esa época surgieron la cinematografía y la animación. Por otro lado, la arquitectura ecléctica emerge tras la combinación de distintos estilos.

Triunfa la industrialización, se admite el voto universal y el pensamiento científico gana protagonismo.

No obstante, en el mundo cultural impera el Romanticismo con su promoción de la pasión, lo irracional, el desorden, el color y la oda a la Edad Media y a las mitologías noreuropeas.

Pero pronto ese Romanticismo cede ante la máxima individualista de que cada artista debía promover su propia vanguardia. Aparecen entonces muchas vanguardias.

Se refleja así una sociedad que vive en una constante revolución, en la cual los plazos son cada vez más pequeños y el ritmo de los cambios es más rápido.

Antecedentes

El antecedente de este movimiento se encuentra en el impresionismo, porque todos los postimpresionistas practicaron el impresionismo.

El impresionismo fue un movimiento casi contestatario del status quo de la época; rompió esquemas académicos, económicos y sociales en el arte.

Intentaban retratar la realidad tal cual la percibían. Sin mucho razonamiento, solo impresión. El foco no estaba en el objeto sino en la sensación percibida.

Por ese motivo, el impresionista creaba su obra in situ y de manera rápida. De hecho, sus muestras las organizaban fuera de los circuitos oficiales o tradicionales.

En las obras impresionistas se destaca el valor de la luz y de su movimiento, mediante el uso de una variedad de colores en la que solo se ausentaba el negro. Para ellos, el color negro no existía en la naturaleza.

Con el tiempo muchos de los artistas de este movimiento ganaron renombre y comenzó la debacle de sus postulados iniciales.

En ese momento, ya a finales del siglo XIX, surge el postimpresionismo como un movimiento más evolucionado, o más bien como una forma de romper con lo pregonado por los impresionistas.

Se trata de una pintura más personal donde la luz es la protagonista, y el volumen y las formas casi se pierden.

A los postimpresionistas solo los une el interés por recuperar el rigor compositivo, la definición lineal de las figuras y la autonomía de la imagen.

Para los principales pintores de este momento del arte, el motivo es solo una excusa para la creación.

En el postimpresionismo se notan rasgos de los movimientos pictóricos que vendrán y marcarán el siglo XX.

Características principales

Los rasgos más determinantes de los artistas incluidos en el movimiento postimpresionistas fueron su forma de profundizar en la subjetividad de la realidad y de representar la percepción de la luz.

Sin embargo, hay que decir que se trata de una forma de agrupar a un grupo de artistas que vivieron y crearon después del impresionismo, y casi en oposición a este.

Sin embargo, podría decirse que compartían ciertas características:

– Uso de colores contrastantes.

– Interés por centrarse en la expresividad de los objetos y de las figuras humanas.

– Conciliación entre el efecto volumétrico y el gusto estético.

– Inclusión de temas considerados más exóticos.

– Predominancia de los colores puros.

– Geometría de los cuerpos.

– Creaciones imaginativas con pinceladas cursivas.

La abstracción del arte postimpresionista y la libertad expresiva que ostentó, inspiraron movimientos posteriores, como el cubismo, el expresionismo, el fauvismo, el surrealismo y el futurismo.

Los 5 artistas postimpresionistas más importantes

1- Paul Cézanne (1839-1906)

Pual Cézanne fue un artista que intentó destacar las cualidades materiales de la pintura, estampando en sus obras a seres vivos y paisajes, con volúmenes y relaciones entre las superficies incluidas.

Ese volumen lo logra, en parte, gracias a la inclusión de formas geométricas y a sus pinceladas calificadas como constructivas. También logra crear volumen retratando el efecto de la luz sobre los colores.

Cézanne pone los objetos en primer plano y, en algunos casos, los deforma un poco para indicar los distintos puntos de vista. Ese análisis de la obra le interesa mucho y a eso le dedica tiempo en su taller.

Desde el punto de vista estético, consideraba a la naturaleza en su profundidad. De hecho, la montaña es una imagen recurrente en sus obras.

Su tratamiento del color en grandes manchas genera planos diferentes en el cuadro. Usaba colores contrastantes y sombras, logrando representar una luz prismática.

Estas dos últimas características de sus pinturas son las que hacen pensar que se adelantó a las obras del cubismo.

Entre sus obras sobresalen naturalezas muertas (Manzanas y naranjas), paisajes (L’Estaque), o la serie de Jugadores de cartas.

En estas obras es muy evidente la utilización de planos cromáticos, para así poder definir tanto los volúmenes como la estructura propia de la realidad.

2- Paul Gauguin (1848-1903)

Gauguin impregnó sus pinturas del mundo exótico de Tahití y del llamado primitivismo de Bretaña.

Sus obras muestran un uso expresivo, incluso arbitrario, del color. Asimismo, lo usa para destacar su carácter simbólico.

El simbolismo es una constante en las obras de Gauguin. Un ejemplo recurrente es el uso de flores para simbolizar la inocencia.

Sus cuadros se centran en superficies planas y decorativas. Se vale de la técnica del cloisonismo, que consiste en el uso de especies de compartimentos, contorneados en negro o azul dentro de la pintura. Simplifica las formas para dar sencillez y armonía a sus obras.

Gauguin renuncia a la perspectiva en sus pinturas, con lo cual se aleja de las raíces del cubismo.

También suprime el modelado y las sombras. Su sentido del color se notará luego en los fauvistas y en los expresionistas.

3- Vincent Van Gogh (1853 – 1890)

Van Gogh fue un artista holandés que se inició tratando temas sociales, gracias a la influencia de su protestantismo y por la obra de Millet.

Luego, su obra se centró en pintar figuras y paisajes con pinceladas sinuosas, cursivas, espesas y llenas de colores que contrastan de formas novedosas.

Cargaba sus obras de subjetividad, intentando expresar las emociones del artista, por lo que se considera un iniciador del expresionismo.

En cuanto al tema, cualquier cosa podía servir a Van Gogh, por lo que el acento no estaba en la imagen sino en el tratamiento cromático que se le daba.

Y ese cromatismo era el vehículo expresivo para transmitir las emociones y la subjetividad del pintor.

Solía pintar con los colores sacados del tubo directamente, sin mezclas. Distorsionaba intencionalmente la composición, la perspectiva y el tamaño relativo de los objetos, con fines expresivos.

Los cipreses y las estrellas fueron un tema constante en una época de su vida artística. Y su pincelada pasó de ser pastosa y alargada, a ser en espirales y remolinos.

No se le reconoció en vida. Al contrario, fue marginado. Tras la decadencia de su enfermedad mental, se suicidó.

4- Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901)

Fue un artista aristócrata y bohemio que llevó los burdeles al arte. Sus cuadros reflejaban el ambiente de los salones nocturnos con bailarinas, cantantes y prostitutas.

Su obra abundaba en grabados de contorno y colores planos, gracias a la influencia de los grabados japoneses. El dibujo y la captación del movimiento son rasgos destacables de sus creaciones artísticas.

Se le considera como el impulsor del cartel, aunque los suyos eran carteles artísticos con líneas decorativas y sinuosas, muy características del modernismo.

5- Georges Seurat (1859-1891)

Es un artista que perfeccionó la técnica del puntillismo. Sus cuadros son la suma de pequeños puntos de color colocados junto a sus complementarios.

Era el espectador el que unía los puntos y recibía la impresión de la realidad lumínica.